Il 13 novembre del 1974 moriva in Francia Vittorio De Sica. Nato a Sora, in provincia di Frosinone, il 7 luglio del 1901 da Umberto De Sica, originario di Salerno, e dalla napoletana Teresa Manfredi. De Sica esordì come giovane e brillante attore al Teatro Valle di Roma il 28 maggio del 1922. Avrebbe poi calcato le scene in più di 120 spettacoli con le più importanti compagnie italiane, riscuotendo sempre un successo straordinario che gli deriva certo dal suo bell’aspetto fisico, ma dovuto anche alla sua geniale verve napoletana, al suo inarrivabile talento, alla sua completezza artistica che lo vedeva brillare nella recitazione, nel canto e nel ballo. Riconosciuto come uno dei padri nobili del Neorealismo, in verità De Sica attraversò un po’ tutti i generi cinematografici, dalla commedia Pane amore e fantasia (1953) e Pane amore e gelosia (1954) di Comencini, accanto a Gina Lollobrigida al genere drammatico Il generale della rovere (1959) di Roberto Rossellini, dal film surreale e fantastico come Il giudizio universale (1961).

E se il suo primo grande successo come attore cinematografico lo ebbe nel ’32 ne Gli uomini che mascalzoni di Mario Camerini, dove cantava il suo cavallo di battaglia “Parlami d’amore Mariù”, il talento di regista lo espresse già ai suoi esordi con film come Rose scarlatte (1939), Maddalena zero in condotta (1940) con Carla Del Poggio, e Teresa Venerdì (1941) entrambi interpretati da Anna Magnani. Del ’43 è invece il bellissimo I bambini ci guardano. De Sica è passato alla storia della “Settima Arte” soprattutto grazie ai suoi capolavori neorealisti, sceneggiati insieme con Cesare Zavattini. Sciuscià (1946), Ladri di biciclette (1948), Miracolo a Milano (1951), tratto dal romanzo Totò il buono proprio di Zavattini e Umberto D. (1952) dedicato alla figura del padre, è la quadrilogia che lo ha consegnato all’olimpo dei grandi. Le prime due di queste pellicole ottennero l’ Oscar per il miglior film in lingua straniera. Ma altri 2 oscar De Sica li avrebbe vinti con Ieri, oggi, domani (1974) insieme alla collaudata coppia Marcello Mastroianni e Sophia Loren, e ancora con Il giardino dei Finzi Contini (1972). Ma altre sue opere di grande spessore furono L’oro di Napoli (1954), Il tetto (1956), considerato il suo ultimo film neorealista, e poi La ciociara, del 1960, tratto dal romanzo omonimo di Alberto Moravia, che fece vincere alla Loren il Premio Oscar come migliore attrice protagonista. Con la Loren lavorò anche in Matrimonio all’italiana (1964), trasposizione di Filumena Marturano di Eduardo De Filippo, e I girasoli (1970), sempre con la premiatissima coppia Mastroianni-Loren. Un altro grande merito di De Sica fu quello di lanciare nel firmamento cinematografico il genio comico di Alberto Sordi, producendogli il suo primo film Mamma mia che impressione del 1951, e con il quale girò altre pellicole memorabili.

Nel 1972 De Sica ottenne un quarto Premio Oscar con la trasposizione filmica del romanzo di Giorgio Bassani Il giardino dei Finzi Contini, mentre l’ultimo film da lui diretto fu Il viaggio (1974), riduzione di una novella di Luigi Pirandello, uscito pochi mesi prima della sua scomparsa, e girato interamente in Sicilia.Sterminata la filmografia di De Dica, la cui carriera cinematografica iniziò come figurante in 3 film muti: Il processo Clémenceau, di Alfredo De Antoni (1917), La bellezza del mondo, di Mario Almirante (1927) e La compagnia dei matti, sempre di Almirante (1928). Egli recitò come attore in oltre 150 film e realizzò come regista 32 pellicole.Tirato per la giacca da questo o quel partito politico (i comunisti italiani ne rivendicarono la vicinanza ideologica), in verità De Sica si mantenne sempre distante dei partiti e rivendicò con forza la sua piena autonomia artistica. D’altronde, il suo fu un cinema soprattutto cristiano per quel suo guardare e raccontare con umana indulgenza gli uomini e le donne nei loro affanni, nelle loro debolezze, ma anche nella dignità e nel coraggio di combattere ogni giorno le asprezze e i drammi dell’esistere.Affetto da un grave tumore ai polmoni De Sica morì in seguito a un intervento chirurgico all’ospedale di Neuilly-sur-Seine,vicino Parigi. Nello stesso anno, Ettore Scola gli dedicò il suo capolavoro C’eravamo tanto amati, film struggente e di grande poesia, come poetica, coraggiosa, visionaria, fu tutta l’opera di quello che a giudizio di molti e anche di Chaplin Chaplin, è stato il più grande cineasta italiano di sempre. Ma altro grande riconoscimento gli pervenne da Orson Welles quando dichiarò che con Sciuscia De Sica aveva realizzato il film più bello al mondo.

Lei sapeva che c’è un museo del cinema a Gela? “Ma no…che dice”, mi risponde l’interlocutore, un arzillo vecchietto sugli 80 anni che ha vissuto l’epoca d’oro del cinema e da ragazzetto frequentava l’Arena Stella del Mare, ma anche il cinema Mastrosimone e le altre sale presenti in città. Dico allora all’anziano signore che il Museo è intitolato a Pina Menichelli, grande diva messinese del cinema muto e che nel 2025 saranno i 10 anni dalla sua inaugurazione a Palazzo Pignatelli. Quando però il vecchietto mi dice dov’è ubicato il museo…casca l’asino. Devo confessargli che il “Menichelli” non ha una sede. Che in tanti anni né l’amministrazione comunale, né dei privati, né degli sponsor hanno saputo trovargli una degna sede, e che al momento i tantissimi cimeli che lo compongono (e rischiano di andare perduti) sono ammassati in uno spazio ristretto, sede di un’associazione culturale. Eppure questo museo ha svolto, senza avere mai recepito un euro di contributo (dico un euro! ) una importante attività culturale attraverso rassegne, seminari, presentazione di libri e importanti omaggi a Totò, Nanni Loy, Federico Fellini e al Cinema espressionista tedesco.

Nel 2021 il museo è stato pure invitato dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Castroreale, la cittadina presso cui era nata la grande diva, che fu la “femme fatale” del cinema internazionale degli Anni ’10, protagonista di mitiche pellicole come “Il fuoco” e “tigre reale”, tratte dagli omonimi racconti di Gabriele D’ Annunzio e dirette da Giovanni Pastrone. La domanda allora sporge spontanea: cosa se ne vuole fare di questo museo? Possibile che il Comune non disponga di due stanze dove ospitarlo seppure temporaneamente? Che non trovi almeno una sala espositiva di rappresentanza? Da sottolineare come in Sicilia i musei del cinema non saranno più di tre. D’altronde, tutti parlano di rilancio turistico della città, ma poi concretamente ci si parla solo addosso e poco cambia. Intanto però è anche bene sapere che il nostro piccolo museo ha come presidente onorario Pupi Avati (che non mi sembra l’ultimo arrivato) e come direttrice la grande giornalista fiorentina Silvia Guidi. Come per dire che a Gela il “Menichelli” non se lo fila nessuno…forse perchè non allineato? Ma altrove il museo è conosciuto, visto che ha acceso collaborazioni pure con la Cineteca del Comune di Bologna e l’Associazione Italiana per le Ricerche di Storia del Cinema. Lo conosce persino la famiglia Chaplin, cioè gli eredi di Charlot…cosa veramente pazzesca! Eppure per i gelesi e anche per i nostri studenti il Museo “Pina Menichelli” continua a rimanere un museo fantasma.

Il Cinema italiano degli Anni’10 conquistò il mondo grazie al capolavoro “Cabiria” girato nel 1913. La regia era di Piero Fosco (alias Giovanni Pastrone) e le didascalie vennero scritte da Gabriele D’Annunzio; un contributo quello del vate che diede nobiltà culturale al film e più in generale al Cinema che da allora cominciò ad essere considerato un ‘arte. In quegli anni nasceva nel nostro Paese anche il divismo, che quindi non è una invenzione di Hollywood come qualcuno ancora oggi crede. Fu l’Italia a creare il fenomeno divistico, e tutto al femminile, se di considera che le nostre divine Francesca Bertini, Lyda Borelli e la siciliana Pina Menichelli acquisirono una popolarità mondiale prima dell’avvento di Greta Garbo, Rodolfo Valentino, Gloria Swanson, John Gilbert.La Grande Guerra però provocò la fine del dominio della nostra cinematografia, in quanto la monarchia profuse ogni energia per sostenere l’industria bellica. La guerra fu vinta a carissimo prezzo di vite umane e impoverì la nazione determinando nel 1918 anche il crollo della produzione di film. Sarebbero dovuti trascorrere 10 anni prima che, nel 1928, Alessaandro Blasetti ridesse il là alla rinascita del Cinema italiano con il film “Sole” (ancora muto), di cui fra l’altro sono sopravvissuti solo alcuni spezzoni.Il dado era però tratto, e Benito Mussolini, che da subito aveva compreso l’importanza del Cinema, come potente strumento di propaganda, si spese in prima persona per la rinascita della “Settima Arte” in Italia. Per questo il 28 aprile del 1937 a Roma il duce inaugurò insieme a Giacomo Paolucci, su progetto dell’architetto Gino Peressutti, gli stabilimenti di Cinecittà. Un complesso enorme composto da 37 edifici e 21 teatri di posa, sorto su 600.000 metri quadri in via Tuscolana acquistati da Carlo Roncoroni, presidente della Saisc (Società Anonima Italiana Stabilimenti Cinematografici). Ma a dare forza e credibilità all’imponente struttura fu l’esperienza di Luigi Freddi il grande produttore della Cines, i cui studi nel 1935 erano stati distrutti da un vasto incendio.

Questi portò a Cinecittà la sua lunga esperienza nel cinematografo e coinvolse tutti i più bravi tecnici e le migliori maestranze che avevano lavorato con passione alla rinascita del cinema italiano, il cui primo film sonoro, diretto da Giancarlo Righelli, era stato prodotto nel 1930 e aveva per titolo “La canzone dell’amore”. Ma c’è da dire in verità che il primo film parlato girato in Italia fu “Resurrectio” di Alessandro Blasetti, uscito però soltanto nel 1931.Morto Roncoroni nel 1938 Cinecittà venne rivelata dello Stato, e proprio in quell’anno uscì “Scipione l’africano” di Carmine Gallone, il film che intendeva rinverdire le memorie dell’antica potenza di Roma, e che sebbene fosse infarcito di magniloquente retorica, contribuì molto a rilanciare il cinema italiano. Sulla stessa scia anche Augusto Genina, regista di talento conosciuto in tutta Europa, realizzò diversi film di propaganda come “La fuga di Alcatraz”, “Squadrone bianco” e “Bengasi”. Ma il cinema del ventennio non fu solo quello di regime con lungometraggi ambientati spesso negli scenari di guerra. E non fu neppure soltanto il cinema commedia dei “telefoni bianchi”. In verità, insieme alle pellicole “patriottiche” e di commedia, il merito di Cinecittà fu quello di costruire un modello di industria cinematografica che oggi la vede come il più grande stabilimento cinematografico d’ Europa. Ebbe poi il merito di formare grandi registi e straordinari attori che fecero “praticantato” a cavallo fra gli Anni’ 30 e metà degli Anni ’40, per poi esplodere alla fine della guerra con la grande stagione del Neorealismo, i cui primi semi erano però stati gettati già nel 1942 con il delizioso “Quattro passi fra le nuvole” di Alessandro Blasetti e poi nel 1943 da “Ossessione” di Luchino Visconti con Massimo Girotti e la splendida Clara Calamai, che nel ’42 era stata la prima attrice italiana a scoprire il seno (ma questo primato venne rivendicato pure da Doris Duranti) ne “La cena delle beffe” sempre diretto da Blasetti, e con fra gli interpreti l’immenso Amedeo Nazzari e poi ancora Osvaldo Valenti e Luisa Ferida, i divi di regime che vennero fucilati – lei incinta – dai partigiani rossi il 30 aprile 1945 a Milano. Da ricordare pure come la Calamai visse un clamoroso ritorno al cinema nel 1975, quando Dario Argento la volle fra le protagoniste di “Profondo rosso”. Non è quindi vero che il Cinema italiano del Ventennio fu un cinema banale e oscurantista. Politicizzato? Certo, come ogni regime e come ogni ordinamento…anche democratico. Ma neppure la censura fu così rigida come qualcuno scrive nelle tante ”storie del cinema” da sempre ideologicamente ben inquadrate. Immensi cineasti come Visconti, Rossellini, De Sica (ricordiamo ai suoi esordi come attore il delizioso “Gli uomini che mascalzoni”), e straordinari sceneggiatori come Cesare Zavattini, Ennio Flaiano, Sergio Amidei iniziarono la carriera proprio a Cinecittà negli Anni ’30 e ’40, e lo stesso dicasi di magistrali interpreti come Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Alida Valli, Gino Cervi, l’inarrivabile Totò, e l’elenco potrebbe allungarsi all’infinito. Da ciò mi pare giusto rilevare come il Cinema di quegli anni vada criticamente riletto, rivisitato, riscritto, scevro da omissioni e alterazioni che ne hanno ridimensionato il ruolo e l’importanza avuti non solo dal punto di vista artistico, ma anche nella cultura e nel costume del nostro Paese.